MARKA27 Чемпіони міграційного Hustle з Neo-індігенним мистецтвом
https://ift.tt/hBIeN9u
Зі штукатурок стін на сході Далласа до престижних залів сучасного мистецтва, Віктор “marka27” Кіньонез роками доводив, що вулиці — це священне сховище. Для Кіньонеза графіті та скейтбординг були життєво важливими механізмами виживання та втечею з середовища, наповненого масовим ув’язненням, насильством та імміграційним контролем. Він виріс у витривалій спільноті, де сусіди піклувалися про одне одного під час раптових депортацій, а вуличні торговці пропонували безкоштовні тамали родинам, що зіштовхувалися з труднощами. Це виховання вклало в його практику непохитну етику. Ці життєві досвіди служать духовним каменем основи його поточних робіт, перетворюючи міцність та солідарність району на монументальні публічні вираження.
Що відрізняє Кіньонеза, так це його здатність діяти з такою ж прецизністю промислового дизайнера, зберігаючи душу графіті-райтера. Він провів 15 років, обіймаючи верхівку моди та дизайну продуктів, опанувавши все — від незалежних вінілових іграшок, як його бажані “Minigods”, до пошуку форм для кросівок у Азії для Converse. Через це він підходить до масштабних інсталяцій з дисциплінованим оком. Поєднання корпоротивного дизайнерського чуття з ґрунтовним знанням вуличного досвіду дозволяє йому досліджувати мистецтво за межами полотна. його студія в Ріджвуді, Куїнс, є свідченням цієї дуальності. Наповнена аналоговими машинами, повними вінтажних бумбоксів, вінілових платівок та творів мистецтва, зібраних по всьому світу, у цій імпермія-фільтрованій студії Віктор концептуалізує свої наступні проєкти, що відстоюють мігрантський hustle, одночасно керуючи творчою агенцією Street Theory разом із дружиною Лізою.
У серці його візуального словника лежить “Neo-Indigenous” — термін, який Кіньонез придумав, щоб описати злиття стародавньої майяйської та ацтекської іконографії з гострими геометричними візуалізаціями графіті. Цей естетичний підхід найбільш потужно розкривається в “Elevar La Cultura”, вражаючій 22-футовій піраміді, створеній повністю з звичайних льодяних охолоджувачів для морозива, які, за словами Віктора, є найвищими символами іммігрантського hustle та стійкості вуличних торговців. Чи він підриває ностальгічні поп-образи, як неонові палетки, щоб торкнутися жорстокості систем примусу, чи збирає великі відзнаки, як FRIEZE L.A. Impact Award, Кіньонез залишається міцно прив’язаним до своїх коренів. Разом із партнеркою Лізою він активно будує свій власний простір, щоб майбутні покоління темношкірих та коричневих художників бачили красу, історію та виживання піднесені до статусу високого мистецтва.
Навчаючи наступне покоління БІРОК-мистців через Street Theory, пара передає ancestral мудрість, дисципліну та розумний бізнес-хист, потрібний для розуміння викликів інституційним бар’єрам. Його траєкторія пройшла від ухиляння від звинувачень у графіті у 90-х роках до теперішнього керівництва музейними виставками та участі у великих сучасних просторах, таких як The Shed NYC та SCOPE Miami. Ми сіли з Віктором у його студії, щоб обговорити його міждисциплінарну практику та шлях, що відображає таку надихаючу та унікальну дорогу до творчої непослуху.
“Ми були спільнотою, що дбало один за одного.”
Ви зазначали, що графіті було способом втечі з середовища масового ув’язнення та імміграційного контролю. Як ті ранні роки в східній Далласі визначили цілепокладний підхід, який у вас сьогодні?
Це цікаво: малювання графіті на вантажних поїздах, даху та створення великомасштабних графіті-проектів призвело до моєї ув’язнення та суду за злочин, що вплинув на моє життя протягом десятиліть. Іронія в тому, що графіті та скейтбординг були моїм втечею від банд, насильства та наркотиків, що впливали на моє життя та родину. Я зрештою застосував набуті навички та трудову етику з графіті до малювання величезних муралів. 90-ті були важким часом для моєї родини в східному Далласі.
Мій батько кілька разів був депортований, коли я був молодим, а моя мати працювала на багатьох роботах, доступних іммігрантам, таких як прибирання офісів та конвеєрні лінії на косметичних фабриках.
Часто, коли ми стикалися з фінансовими труднощами, вуличні торговці давали нам їжу з їх охолоджувачів — як тамали, фрукти та вода — не просячи грошей. Ми були спільнотою, яка дбала один про одного. Родини знали, коли батьки депортують, і підтримували одне одного. Ці живі досвіди глибоко впливають на мою роботу й досі.
Після 15 років у моді та дизайні продуктів для брендів на кшталт Converse, як цей промисловий підхід впливає на те, як ви зараз створюєте великомасштабні інсталяції?
Мені пощастило створити власні дизайнерські вінілові іграшки, незалежно — “Minigods” — та працювати з такими брендами, як Kidrobot, як художнику. Робота з такими великими брендами, як Converse, над взуттям, одягом та аксесуарами, розвинула мою здатність логістично управляти своїми особистими проєктами. Поїздки до Азії для пошуку матеріалів, відкриття форм для підошви взуття та виробництво оригінальних тканин дали мені можливість думати поза рамками 2D-робіт та дати досвід для вираження складних ідей будівництва мистецьких інсталяцій. Це поєднання технологій та ручних технік з автентичною експресією — те, чого я прагну.
“Моя робота має мати органічний підхід та певний рівень ancestral та духовного зв’язку.”
Ви ввели термін Neo-Indigenous, щоб описати ваш стиль. Як ви масштабуєте стародавню майяйську та ацтекську іконографію з сучасною геометрією графіті?
Я звертаюся до свого культурного спадку for натхнення. Здається, стародавні цивілізації були набагато передовіші за колонізаторів у багатьох аспектах. Мене надихає майяйська та ацтекська архітектура та їх використання матеріалів, ієрогліфів та текстилю для розповіді історій. Мій стиль Neo-Indigenous не обмежується якоюсь однією культурою, а поінформований багатьма. Я створюю щось знайоме, але нове.
Шаблони, які я використовую, поєднують традиційні та оригінальні дизайни. Моя піраміда є прикладом сучасного мистецтва, натхненого древньою геометрією, що корениться в наразі Neo-Indigenous вираження.
Ваша студія наповнена неймовірною колекцією динаміків, іграшок та глобальних творів мистецтва. Як оточення себе цими об’єктами сприяє вашому творчому процесу?
Я вірю, що предмети в моїй студії тримають мене корененими, формуючи основу із ностальгії. Вінтажні динаміки та бумбокси говорять про особливий час, коли все було аналоговим, і потрібно було бути присутнім, щоб насолоджуватися досвідом. Фізичний акт купівлі музики, створення мікстейпу, натискання паузи та записи — усе це нагадує мені бути в моменті, коли створюю і з’єднуюся з людьми. Я відчуваю, що моя робота потребує певного рівня ручної техніки, що вимагає фокусування та дисципліни, як програвання вінілової платівки — треба зробити кілька кроків перед початком цього sonic-подорожі. Я ставлю технологію як інструмент, але обережно не покладаюся на неї занадто. Моя робота потребує органічного підходу та певного рівня ancestral та духовного зв’язку.
“Ці охолоджувачі несуть більше, ніж їжу або квіти. Вони несуть історії. Несуть спадок. Несуть мрії.”
Чи ваша робота, чи mural, чи велика інсталяція, з самого початку доступна широкій публіці. Чому для вас надзвичайно важливо, щоб ваше мистецтво було на вулицях, а не в приватних галереях?
По-перше, для чорних та коричневих художників надзвичайно складно перейти з вулиць до визнаних галерей та музеїв; історично так завжди було. Я вірю, що багато художників, які малюють величезні мурали та мають значну вуличну присутність, також підтримують серйозну студійну практику. На жаль, нас часто класифікують як “вуличних художників”; для мене надзвичайно важливо мати мою роботу на вулицях, бо вона часто відображає корінні общини, що роблять цю країну красивою. Я хочу, щоб майбутні покоління відчували себе побаченими, представленими та піднесеними так само, як я вперше побачив мексиканський муралізм та мистецтво легенд CHAZ BOJORQUEZ, John Biggers, Rivera, Orozco та Siqueiros тощо.
Нещодавно я виграв FRIEZE L.A. Impact Award та можливість провести сольну виставку на FRIEZE LA. Також я представив велике інсталяційне проєкт “Elevar La Cultura” у The Shed NYC; ця робота вирушила до великих міст і стала головною інсталяцією на SCOPE art fair у Майамі під час Art Basel. мій перехід зі вулиць до галерей та музеїв процвітає, але я зберігаю зв’язок із корінням.
У “Elevar La Cultura” ви перетворили повсякденні охолоджувачі на монументальну майянську піраміду. Яке значення піднесення такої скромної, утилітарної речі до духовної структури?
Є унікальний геній, народжений з боротьби; творчість, загартована потребою та витривалістю, сформованою виживанням. Для іммігрантів, особливо тих, хто прибуває з надією та hustle, творчість — не лише самовираження, а стратегія. Так ми годуємо своїх сімей, будуємо спільноту, залишаємо свій слід.
Цей дух — здатність перетворити будь-що на можливість, перетворювати звичне на надзвичайне — і став джерелом натхнення для “Elevar La Cultura”. У центрі стоїть монументальна майянська піраміда, не зроблена з каменю, а з льодових охолоджувачів, які ті самі охолоджувачі використовували торговці по всій країні. Ця велика 22-футова інтерактивна інсталяція поєднує культурні текстилі, духовні об’єкти та настінне малярство. Поєднання ancestral символізму з сучасними інструментами виживання дозволяє інсталяції відвойовувати простір та підносити красу, витривалість та культурну силу маргіналізованих спільнот. Ці охолоджувачі несуть більше, ніж їжу або квіти. Вони несуть історії. Вони несуть спадок. Вони несуть мрії.
Ваша виставка в Університеті Північного Техасу була раптово закрита через роботи, критичні до ICE. Чи можете ви розповісти про цей досвід та те, як це було — бачити, як ваша робота цензура?
Чесно кажучи, це стало великим сюрпризом, бо раніше, перед моєю сольною виставкою “Ni de Aquí Ni de Allá”, її раптово зняли з експозиції; університет запропонував мені оцінити їх щорічний конкурс, що дає студентам можливість продемонструвати свої роботи та виграти фінансові нагороди. Мені також провели екскурсію університетом та познайомили з кількома співробітниками. Моя робота була відображена на робочих столах усіх, банер на сайті UNT та кілька дописів у соцмережах. Виставка була повністю встановлена і відкрита 3 січня, прийом мав відбутися 19 січня. Ближче до дати прийому я почав звертатися до директора галереї з проханням надіслати RSVP-посилання. Я також багато разів просив оновлення щодо виставки та щоб галерея надіслала зображення встановленої роботи. Коли кілька днів не було відповіді, я перевірив їхні сторінки в соцмережах. До 11 січня кожен пост UNT було видалено, і вся інформація та зображення про мою виставку зникли з офіційного сайту UNT.
Мене офіційно “гостило” ціле університет; відчуття було надзвичайно фрустраційне. Диво, що студенти UNT почали надсилати мені повідомлення в DM через IG та попереджати, що моя виставка була прихована та знищена. Я попросив їх надіслати фото та відео для підтвердження — вони зробили це. Дженні Янес, студентка-журналістка UNT, розлетіла новина. Хочу бути ясним: ніхто з працівників UNT не звернувся до мене, щоб повідомити, що відбувається. Я пишаюся студентами UNT за те, що вони виступили проти факультету, протестували цензуру моєї виставки та боролися за свободу слова. Зрештою директор галереї надіслав мені та директору галереї Бостонського університету розпливчастий електронний лист про те, що UNT вирішив розірвати наш кредит та повернути роботи BU. Не було жодного пояснення, чому цензура відбулася; але стало зрозуміло, що робота, яку я створив, під назвою серія “I.C.E. Scream”, була причиною цензури.
“Я почув, що той, хто контролює зображення, контролює розум, тому будьте обачні з тим, що вирішуєте внести у цей світ.”
Ця серія використовує ностальгію палети морозива, щоб розкрити реальність системного гноблення. Чому підрив “солодких” образів так ефективний для передавання важкого політичного меседжу?
Моє художнє бачення полягало в створенні зображення, яке працює у двох дуже впливових способах. По-перше, воно привертає увагу глядачів завдяки яскравим кольорам, а багато зображень освітлюються люмінесцентними світлодіодами, що освітлюють зображення, вигравірувані на кожній палеті. Додатковий елемент — повідомлення, выгравіруване на палетних палках та закодоване у великі смолені скульптури. Усі палетні палки мають мої версії логотипа Homeland Security. Моя інтерпретація має печатку із словами “Department Of Stolen Land Security” та маскований агент ICE з акронімом “Inhumane and Cruelty Enforcement”. З іншого боку палетної палки зображено дитину в клітці detention center, вигравірувано у дереві. Великі смолені палетні скульптури містять ув’язнення як ланцюги, зброя та розарій — кожен символи знущань, насильства, корупції та надії. Я бачив, як тисячі глядачів взаємодіють із моєю роботою під час виставок мистецтва та ярмарок мистецтв. Вони нестямно тікають до великої, яскравої палітри, що спочатку сприймається як ностальгічний поп-арт, але раптом змушені зіткнутися з суворою реальністю: багато людей обирають не дивитися, якщо це питання їх особисто не стосується. У кінцевому рахунку, робота створена, щоб святкувати нашу красу та людяність, та підняти обізнаність та емпатію до вразливої спільноти, яку нинішня адміністрація знущається та на яку спрямовується увага.
Через вашу агенцію Street Theory ви наставляєте інших художників BELPOC. Попереду яких слідів ви хочете залишити у наступному поколінні графіті-худників, які входять у світ сучасного мистецтва?
Перш за все хочу сказати: ніщо з цього не було б можливим без моєї краплі та партнера в злочині Лізи Кіньонез, засновниці та Виконавчої директорки Street Theory, та підтримки наших близьких та креативної спільноти. Наша дочка Рейна Кіньонез, мій син Міка, той, хто обожнює кросівки та надзвичайно упертий музичний аналітик, і Луна Кіньонез є великою натхненням для нас і частиною наступного покоління, яке принесе ці насіння на новий рівень. Я щасливий отримувати пораду від чудових людей і радий поділитися частиною з нею з наступним поколінням. Мені сказали, що хто контролює зображення, контролює розум, тож будьте обережні з тим, що ви вирішуєте внести у цей світ.
Іще одна річ: ніколи не чекайте на можливості або на те, щоб вас відкрили. Як художники, ми часто відчуваємо, що нам потрібне місце за столом, щоб отримати визнання; час будувати власні столи! Бог благословив, дякую майстрам та предкам, які так багато жертвували, щоб ми могли бути тут.
Усі зображення зняті Браяном Нгуєном для HYPEBEAST
HI-FI News
через Hypebeast https://hypebeast.com/
27 травня 2026 р. о 18:10 за місцевим часом
May 27, 2026 at 06:10PM
Залишити відповідь